Teatro y cultura
Tres lenguajes, una experiencia: cuerpo, sonido y voz
Toda época deja una huella indeleble en el transcurrir de la historia, pero sólo el arte posee la facultad extraordinaria de hacerla palpable. En esta 54 edición del Festival Internacional Cervantino, tres agrupaciones de talla internacional convergen para evocar a la memoria colectiva desde sus lenguajes esenciales: Bangarra Dance Theatre, Ensemble Modern y Les Métaboles. Se trata de una invitación a transitar por un diálogo multisensorial donde el gesto corporal narra lo inefable, la música contemporánea desafía la percepción cotidiana y el coro une los ecos del pasado con las posibilidades del mañana.
La historia recupera su pulso más vivo cuando deja de ser un mero registro documental para convertirse en una vivencia compartida. Te invitamos a sumergirte en este encuentro multidisciplinario entre épocas, geografías y expresiones artísticas; un espacio concebido para dejarse conmover, reflexionar y redescubrir cómo las raíces de lo que nos precede pueden volver a hablarnos con un lenguaje plenamente renovado.
Bangarra Dance Theatre, FuturesPast
Auditorio del Estado
Sábado 3, 20 h
Domingo 4, 12 h
Con una herencia cultural ininterrumpida de más de 65 mil años, los Pueblos Originarios e Isleños del Estrecho de Torres representan la memoria viva de los primeros habitantes del continente australiano, manteniendo un vínculo espiritual e indivisible con su territorio.
En la producción FuturesPast, la compañía articula un viaje escénico estructurado en tres actos conceptuales: El viejo mundo, El pueblo y El campo. Esta propuesta no sólo visibiliza los impactos históricos, las fracturas y los desafíos impuestos a las comunidades nativas a lo largo del tiempo, sino que rinde un tributo profundo a su resiliencia y a su capacidad de preservación cultural.
Fundada en 1989 por la bailarina afroamericana Carole Y. Johnson junto a Rob Bryant y Cheryl Stone, la compañía nació con el propósito de consolidar un espacio profesional para la danza indígena en el país. Para garantizar una fidelidad absoluta a esta herencia, la totalidad de su elenco de bailarines profesionales está integrada por artistas de ascendencia aborigen e isleña del estrecho de Torres. Su proceso creativo destaca por un profundo respeto cultural: antes de estructurar cualquier montaje, los bailarines conviven directamente en las comunidades rurales para aprender de viva voz las costumbres e historias que llevarán al escenario; tras estrenar las piezas en las grandes capitales, la agrupación regresa a estos territorios remotos para actuar frente a los sabios y ancianos que les otorgaron el permiso cultural.
Con 37 años de trayectoria, el grupo fusiona la danza contemporánea, la música, la poesía y el diseño escénico. Entre sus grandes hitos históricos destaca el haber diseñado y encabezado los segmentos indígenas en las ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Sídney 2000. Tras la consolidación internacional lograda bajo la dirección de Stephen Page entre 1991 y 2022, Bangarra obtuvo el Sidney Myer Performing Arts Award, múltiples galardones en los Helpmann Awards como Mejor Obra de Danza por producciones como Skin, Bush, Mathinna, FIRE, Terrain y Bennelong, el colectivo se ha presentado en escenarios globales de prestigio como la Brooklyn Academy of Music (BAM) en Nueva York.
La compañía sentó un precedente inédito en la Bienal de Venecia 2026 al convertirse en la primera agrupación completa en recibir el León de Oro a la Trayectoria en Danza, un galardón reservado hasta entonces a creadores o intérpretes individuales. Actualmente, bajo la dirección artística y ejecutiva de Frances Rings, mantiene la tradición de estrenar cada junio una producción en la Ópera de Sídney como punto de partida de sus giras anuales, integrando al repertorio piezas como Terrain (2012), SandSong (2021), Illume (2025) y Flora (2026).
Ensemble Modern
Teatro Juárez
Sábado 3, 20:30 h
Una mirada valiente, rigurosa y conceptualmente intransigente define el sello de Ensemble Modern, un colectivo instrumental de referencia absoluta en la música académica actual.
En su participación en el Festival Internacional Cervantino, la agrupación alemana ofrece un programa diseñado para explorar las múltiples vertientes de la creación contemporánea a través de piezas de compositores fundamentales como Georg Friedrich Haas, Clara Iannotta, Vito Žuraj, Jennifer Walshe, Ted Hearne, Diana Syrse y Chaya Czernowin. La propuesta técnica sobre el escenario abarca desde la exploración de la microtonalidad y el uso de técnicas extendidas en los instrumentos, hasta el tejido de texturas acústicas de alta delicadeza y la integración de elementos electroacústicos.
Surgido en 1980 por iniciativa de miembros de la Junge Deutsche Philharmonie (Orquesta Filarmónica Joven Alemana) que buscaban un espacio dedicado exclusivamente al estudio e interpretación del repertorio de vanguardia, el ensamble reúne a solistas de diversas nacionalidades.
Destaca en el panorama internacional por su modelo organizativo de autogestión democrática, en el cual los propios músicos asumen las decisiones creativas, administrativas y financieras del proyecto. Asimismo, el grupo resalta por su metodología de trabajo colaborativo, pues suelen invitar a los compositores a residencias prolongadas para ensayar, ajustar y madurar las partituras conjuntamente antes del estreno mundial.
A lo largo de más de cuatro décadas, ha colaborado con figuras decisivas de la música moderna como John Adams, Steve Reich y György Kurtág. El aclamado álbum The Yellow Shark, fruto de su colaboración con Frank Zappa, no sólo se convirtió en un hito mediático para el grupo, sino también en una de las últimas grandes obras del músico antes de fallecer. Además, el colectivo impulsa la formación de nuevas generaciones a través de la Academia Internacional Ensemble Modern (IEMA).
Su excelencia artística se respalda con múltiples reconocimientos internacionales, entre los que destacan el Premio Alemán de Grabación por la producción A House of Call, así como dos nominaciones a los Premios Grammy en la categoría de Mejor interpretación de música de cámara: la primera en la 41 edición (1998), y la segunda en la 47 edición (2004).
Galardonado con el León de Plata de la Bienal de Música de Venecia 2024, y protagonista del largometraje documental Ensemble Modern – Why We Play (2026), dirigido por Thorsten Schütte, el colectivo se presenta en Guanajuato bajo la batuta de la destacada directora y percusionista Xizi Wang, reconocida por su labor al frente de agrupaciones de vanguardia como Klangforum Wien y la Orquesta de Cámara de Basilea.
Les Métaboles, Voces esculpidas
Teatro Juárez
Domingo 4, 13 h
El ensamble vocal francés presenta Voces esculpidas, una experiencia auditiva concebida para trazar un puente estético entre la polifonía del Renacimiento y la creación coral más reciente. La selección musical establece un diálogo entre el refinamiento armónico de compositores históricos como Roland de Lassus, Gregorio Allegri, Charles Gounod y Camille Saint-Saëns, y las búsquedas sonoras de creadores contemporáneos de la talla de Betsy Jolas y Francesco Filidei. El momento cumbre de la función será la interpretación de una transcripción inédita para coro a cappella del emblemático Preludio a la siesta de un fauno de Claude Debussy, adaptada por el compositor Thibault Perrine.
Fundado en 2010 por el director Léo Warynski, el ensamble reúne a una plantilla seleccionada de cantantes solistas que se convocan según las necesidades de cada proyecto, profundamente comprometidos con el repertorio para coro a cappella. El nombre de la agrupación rinde homenaje directo a Métaboles (1965), célebre obra orquestal del compositor francés Henri Dutilleux, término elegido porque evoca la transformación progresiva del sonido y la metamorfosis de las voces.
Lejos de limitarse al formato de concierto tradicional, Les Métaboles han colaborado en producciones teatrales, danza contemporánea y espectáculos de jazz, interpretando desde óperas minimalistas de Philip Glass hasta vanguardia con electrónica en vivo. Su enfoque escénico incluye espectáculos inmersivos donde cantan en absoluta oscuridad o distribuidos alrededor de la audiencia sin un escenario fijo, rompiendo la barrera visual para que el público experimente el sonido de manera física y tridimensional.
La agrupación ha cantado junto a instituciones como la Orchestre de Paris, la Orchestre National de France y la Orchestre Philharmonique de Strasbourg, además de trabajar mano a mano con ensambles de vanguardia como el Ensemble Intercontemporain, el Ensemble Multilatérale y l’ Orchestre de Chambre de Paris.
Han sido distinguidos como Ensamble Asociado en la Cité de la Musique – Philharmonie de París y han realizado residencias artísticas apoyadas por la Cité de la Voix en Vézelay y la Fondation Royaumont.Entre sus reconocimientos destaca el Prix Liliane Bettencourt pour le chant choral (2018), otorgado por la Académie des Beaux-Arts de Francia y considerado el máximo galardón del canto coral en dicho país.
Su director, Léo Warynski, formado en la cátedra de dirección del Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París bajo la tutela de figuras como François-Xavier Roth, compagina su trabajo al frente de Les Métaboles con la dirección de orquestas sinfónicas e instrumentales internacionales, aportando una constante búsqueda de precisión tímbrica, flexibilidad vocal y claridad interpretativa.
